Stan VanDerBeek: “Culture: Intercom” and Expanded Cinema: A Proposal and Manifesto (1966)

“It is imperative that we (the world’s artists) invent a new world language … that we invent a non-verbal international picture-language … I propose the following:

That immediate research begin on the possibility of an international picture-language using fundamentally motion pictures.

That we research immediately existing audio-visual devices, to combine these devices into an educational tool, that I shall call an ‘experience machine’ or a ‘culture-intercom’ …

The establishment of audio-visual research centers … preferably on an international scale … These centers to explore the existing audio-visual hardware.

The development of new image-making devices … (the storage and transfer of image materials, motion pictures, television, computers, video-tape, etc. …) In short, a complete examination of all audio-visual devices and procedures, with the idea in mind to find the best combination of such machines for non-verbal inter-change.

The training of artists on an international basis in the use of these image tools.

The immediate development of prototype theatres, hereafter called ‘Movie-Dromes’ that incorporate the use of such projection hardware. The immediate research and development of image-events and performances in the ‘Movie-Drome’. … I shall call these prototype presentations: ‘Movie-Murals’, ‘Ethos-Cinema’, ‘Newsreel of Dreams’, ‘Feedback’, ‘Image libraries’ … [..] When I talk of the movie-dromes as image libraries, it is understood that such ‘life-theatres’ would use some of the coming techniques (video tape and computer inter-play) and thus be real communication and storage centers, that is, by satellite, each dome could receive its images from a world wide library source, store them and program a feedback presentation to the local community that lived near the center, this newsreel feedback, could authentically review the total world image ‘reality’ in an hour long show that gave each member of the audience a sense of the entire world picture …

‘Intra-communitronics’, or dialogues with other centers would be likely, and instant reference material via transmission television and telephone could be called for and received at 186,000 m.p.s. … from anywhere in the world. Thus I call this presentation, a ‘newsreel of ideas, of dreams, a movie-mural’. An image library, a culture de-compression chamber, a culture inter-com.” (from the manifesto)

Published in Film Culture 40 (Spring 1966), pp 15–18; Motive, November 1966, pp 13–23; and The Tulane Drama Review 11:1 (Autumn 1966), pp 38–48.
via StanVanderbeek.com

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Barbara Büscher: Live Electronic Arts und Intermedia: die 1960er Jahre (2002) [German]

“Die in der Geschichte der Künste als Neoavantgarde der frühen 1960er Jahre bezeichneten Entwicklungen der Grenzüberschreitung und Prozessorientierung bilden in exemplarischen Analysen das Zentrum des Gegenstandsbereichs dieser Arbeit. Sie umfassen sowohl die grundlegenden Innovationen, die – von John Cages Ideen und Konzeptionen angestoßen – die Arbeit der Komponisten/Performer der Live Electronic Music prägten, wie die Erweiterung der künstlerischen Materialien und Veränderung der Verfahren der Bildenden Kunst seit Happening und Fluxus. Sie umfassen die minimalistischen Verschiebungen des Verständnisses von Körper-Bewegung und Objekten in der Tanz/Performance vor allem der New Yorker Judson Dance Group und die performative Erforschung der Grundlagen von Kino/Film-Wahrnehmung im Expanded Cinema.

An diesen drei Bereichen wird eine doppelte historische Bewegung aufgezeigt: zum einen die des Durchstreichens, Verschiebens, Ersetzens konventionalisierter Parameter und Wert-Hierarchien; zum anderen eine durch den Entwicklungsschub technischer Medien und deren Auswirkungen auf Gesellschaft und Wahrnehmung angestoßenes Interesse an der Verbindung von Kunst und Medien. Eine wichtige Schnittstelle dieser Entwicklungen manifestiert sich in den Aufführungen der inzwischen legendären Nine Evenings: Theatre and Engineering, die 1966 in New York stattfanden. Die Analyse dieses Ereignisses, des Arbeitsprozesses, der ihm vorausging und an dem in gleicher Weise Künstler und Ingenieure beteiligt waren, wie der einzelnen Performances bildet einen Ausgangspunkt dieser Untersuchung.

Dass Systemtheorie und Kybernetik als Denkmodelle für die Kunstproduktion erschlossen werden sollten, lässt sich nicht nur anhand der Manifestationen dieses Ereignisses zeigen, sondern auch anhand der Analyse zeitgenössischer Diskurse im Kunstfeld nachweisen. Live Electronic Arts heißt in diesem Zusammenhang: das unmittelbar (aktuell) vorgeführte Handeln mit technischen Medien in einer performativen Anordnung. Diese Verbindung wird von den Künstlern selbst als Mensch/Maschine-Kopplung verstanden – der Konstruktionsprozess wird zu einem wesentlichen Bestandteil künstlerischer Strategie. Der Einbezug zeitgenössischer Technologien wird so nicht als Frage nach der Neuartigkeit von Darstellungsmodi relevant, sondern als eine Frage nach Prozessen des Regelns, Steuerns und der Signalübertragung (control&communication) – also nach den Prozessen, die das Agieren mit ihnen strukturieren.

Ausgehend von den Nine Evenings und der an ihnen beteiligten Künstler – Musiker, Tänzer und Choreographen sowie Bildende Künstler und Filmemacher – widmet sich die Arbeit in detaillierter Untersuchung den Versuchsreihen der einzelnen Künstler, denen die experimentellen Performances zugerechnet werden können. Sie zeigt für alle drei Bereiche – Live Electronic Music, die performativen Praktiken der Judson Dance Group und Expanded Cinema – unter welchen Bedingungen, ein Interesse und die Arbeit an der Kopplung von Körper-Bewegung und technischen Systemen entstand.”

Live Electronic Arts und Intermedia: die 1960er Jahre. Über den Zusammenhang von Performance und zeitgenössischen Technologien, kybernetischen Modellen und minimalistischen Kunst-Strategien
Habilitationsschrift an der Fakultät für Geschichte, Kunst- und Orientwissenschaften der Universität Leipzig
Betreuer: Theo Girshausen
Gutachter: Inge Baxmann, Siegfried Zielinski
284 pages

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Edward S. Small: Direct Theory: Experimental Film/Video as Major Genre (1994)

“Undulating water patterns; designs etched directly into exposed film; computer- generated, pulsating, multihued light tapestries—the visual images that often constitute experimental film and video provide the basis for Edward S. Small’s argument for a new theory defining this often overlooked and misunderstood genre. In a radical revision of film theory incorporating a semiotic system, Small contends that experimental film/video constitutes a mode of theory that bypasses written or spoken words to directly connect Ferdinand de Saussure’s “signifier” and “signified,” the image and the viewer. This new theory leads Small to develop a case for the establishment of experimental film/video as a major genre.

Small contends that the aesthetic of experimental film/video would best be understood as a coordinate major genre separate from genres such as fictive narrative and documentary. He employs eight experimental technical/structural characteristics to demonstrate this thesis: the autonomy of the artist or a-collaborative construction; economic independence; brevity; an affinity for animation and special effects that embraces video technology and computer graphics; use of the phenomenology of mental imagery, including dreams, reveries, and hallucinations; an avoidance of verbal language as either dialogue or narration; an exploration of nonnarrative structure; and a pronounced reflexivity—drawing the audience’s attention to the art of the film through images rather than through the mediation of words.

Along with a theoretical approach, Small provides an overview of the historical development of experimental film as a genre. He covers seven decades beginning in France and Germany in the 1920s with European avant-garde and underground films and ends with a discussion of experimental videos of the 1990s. He highlights certain films and provides a sampling of frames from them to demonstrate the heightened reflexivity when images rather than words are the transmitters: for example, Ralph Steiner’s 1929 H2O, a twelve-minute, wordless, realistic study of water patterns, and Bruce Conner’s 1958 A Movie, which unites his themes of war-weapons-death and sexuality not by narrative digesis but by intellectual montage juxtapositions. Small also examines experimental video productions such as Stephen Beck’s 1977 Video Weavings, which has a simple musical score and abstract images recalling American Indian rugs and tapestries.

Small adds classic and contemporary film theory discussions to this historical survey to further develop his direct-theory argument and his presentation of experimental film/video as a separate major genre. He stresses that the function of experimental film/video is “neither to entertain nor persuade but rather to examine the quite omnipresent yet little understood pictos [semiotic symbols] that mark and measure our postmodern milieu.”

Publisher SIU Press, 1994
ISBN 0809319209, 9780809319206
122 pages

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EPUB (updated on 2012-7-9)